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Biografía del pintor español Joan Miró - Historia

Biografía del pintor español Joan Miró - Historia


Biografía de Joan Miró


Joan Miro Ferra fue un influyente pintor, escultor, ceramista y grabador del siglo XX, nacido en 1893 en la región catalana de España, cerca de Barcelona. Comenzó a dibujar cuando era niño y luego asistió a una escuela de negocios, así como a la Escuela de Bellas Artes de La Lonja. En esta última escuela, dos profesores lo animaron, uno de ellos le animó a revivir el espíritu del arte catalán primitivo, combinándolo con descubrimientos y técnicas modernas. (Esto fue a principios del siglo XX, en la época en que el arte moderno recién comenzaba en Europa, y el clima creativo era enérgico y progresivo). En su juventud, estuvo expuesto al rico folclore de Cataluña, que más tarde influyó en su imágenes, como la forma en que veía las formas naturales como seres, incluidos guijarros y árboles. También estuvo expuesto a interiores completos de iglesias con frescos de los siglos IX al XII en visitas al Museo de Cataluña en Barcelona, ​​con su ejecución relativamente tosca y sus imágenes simples, planas y de dibujos animados. También utilizaron colores primarios, todos fuertemente delineados en negro, con un campo circundante sombreado oscuro, así como el tratamiento también moderno del espacio como una superficie plana en lugar de la tradicional ilusión de profundidad en una imagen (perspectiva, etc.). Todos estos elementos se pueden ver en el trabajo de Miro, así como el uso de diferencias de escala, donde una forma es desproporcionadamente más grande que otras, un método que los niños utilizan a menudo cuando hacen que los objetos más importantes para ellos sean los más grandes del mundo. imagen.

Después de 3 años en la escuela de negocios, Miro tomó un trabajo como asistente contable en una farmacia, que era el tipo de puesto que sus padres eligieron para él. Trabajó demasiado allí y se enfermó gravemente, al borde de un "ataque de nervios", seguido de un ataque de fiebre tifoidea. Luego, sus padres lo llevaron a su nueva granja rural, Montroig, en un pueblo apartado de Cataluña. El estado de su salud hizo que sus padres le permitieran hacer lo que más quería hacer: pintar. Asistió a la Academia Gali de Barcelona (una academia de espíritu libre con influencia de pintores extranjeros contemporáneos, donde también había interés por la literatura y la música). La expresión individual se animó. Miro también aprendió a dibujar solo con el sentido del tacto, en lugar de con la vista. En ese momento (alrededor de 1915), Dada estaba comenzando, y Miro comenzó a leer poetas surrealistas de vanguardia como Apollinaire y Pierre Reverdy. Conoció a Josep Llorens y Artigas, que se convertiría en amigo de toda la vida, y con quien colaboraría en proyectos de alfarería en los próximos años. Miró también fue influenciado por el fauvismo (específicamente Henri Matisse) y el cubismo, que comenzó en los primeros años del siglo XX, y en un principio pintó naturalezas muertas. (España tiene una tradición histórica de bodegones místicos, que combinan objetos cotidianos con una iluminación espeluznante contra la oscuridad total). De 1915 a 1918 pintó desnudos, luego retratos y luego paisajes. En este punto, comenzó a "geometrizar" las formas y usó colores independientemente de su color local (como los fauvistas, que usaban colores brillantes que no se ven en la naturaleza). También comenzó a buscar signos y símbolos para representar a humanos y animales en tensión o en movimiento. Sus dos mayores influencias cuando era joven fueron Paul Cezanne, Manet, Claude Monet y Vincent van Gogh. La Galería Dalmau de Barcelona fue un lugar de encuentro para los visitantes extranjeros aquí Miro conoció a Francis Picabia, un pintor dadaísta. La obra de Miró había pasado por un período de libre expresividad que ahora decidió endurecer un poco, haciendo paisajes hasta 1921-22. Su obra más conocida de este período es The Farm, una vista de la granja de sus padres. El trabajo realizado durante este tiempo muestra detalles minuciosos, utilizando la precisión de un pintor primitivo ingenuo. En esta época, y durante toda su vida, estuvo influenciado por su herencia catalana, como la cerámica catalana decorada, y los murales catalanes que fueron restaurados en la década de 1920 y pintados en patrones planos de estilo folclórico. También en este momento estaba comenzando a ser influenciado por el surrealismo (que comenzó en la década de 1920), y su trabajo ahora adquirió un aspecto más sobrio (reduciéndose a lo esencial).

En 1919 realizó su primer viaje a París, visitando a Picasso en su estudio. También nacieron en Cataluña los pintores Francis Picabia, Salvador Dali, Antoni Tapies y el arquitecto Antoni Gaudi. Aunque Picasso nació en Málaga, en la región andaluza de España, fue influenciado por el arte catalán. En la vida de Miró hubo tres lugares importantes: Montroig (en Cataluña), Barcelona y París. (Cataluña se encuentra en la parte noreste de España, cerca de Francia, y la cultura catalana está muy cerca de la cultura del sur de Francia. Los catalanes siempre han sido personas muy independientes, aferrándose a su lengua y tradiciones). un año más tarde, visitó París nuevamente, conociendo a los poetas surrealistas Pierre Reverdy y Tristan Tzara. En ese momento asistió a la primera manifestación dadaísta en París. Y finalmente, se mudó a París, en un momento emocionante para los artistas jóvenes, que compartían una amistad solidaria. En 1923, hubo un gran cambio en el arte de Miro, moviéndose hacia formas más parecidas a signos (es decir, como jeroglíficos), formas geométricas y ritmo general. También hubo un movimiento hacia una composición más general, con El Carnaval de Arlequín de 1924-25. Este tipo general de composición fue utilizado más tarde por Jackson Pollock, Robert Motherwell, Mark Rothko y otros modernistas, en lugar de utilizar un punto focal como el que se utiliza en la pintura tradicional, la composición abarcó toda la superficie de la imagen por igual en todos los lugares. Sus formas incluían gatos, mariposas, maniquíes y campesinos catalanes, y había movimiento visual en sus imágenes. El surrealismo comenzó en este momento, con el escritor Andre Breton emitiendo el Manifiesto surrealista. Se suponía que el surrealismo era una fusión de la realidad y el sueño, una especie de "super" realidad. Breton sintió que el trabajo de Miro tenía inocencia y libertad. Miró mostró su trabajo en exposiciones surrealistas, y fue influenciado especialmente por los poetas surrealistas, quienes en su afán de aprovechar el inconsciente jugaban como el "cadáver exquisito" para componer poemas. Cadáver exquisito era una técnica en la que se pasaba un diccionario en un grupo de poetas, cada uno de los cuales elegía una palabra al azar. Cualesquiera que fueran las palabras que surgieran, se organizarían en un poema. Así es como se creó la frase "cadáver exquisito". También utilizaron las técnicas del automatismo psíquico (como la asociación libre) y la "alteración sistemática de los sentidos". Miro y otros pintores (como Andre Masson) encontraron una forma de transferir estas técnicas a su medio visual, utilizando sus sueños y la libre asociación visual. Miro pintó alrededor de 100 pinturas de sus sueños en este momento, este fue su período más surrealista. También ilustró poemas surrealistas en colaboraciones con poetas. Otro concepto introducido por los dadaístas fue el elemento de azar o accidente en el arte. Comenzarían con una mancha de líquido y luego se agregarían para hacer una pintura. "El pintor trabaja como el poeta, primero la palabra, luego el pensamiento", es una cita que trata de describir cómo los artistas y poetas pueden ver o pensar en una imagen o palabra concreta, antes de haber formulado la idea o el "simbolismo" detrás de ella. . En este momento, Miró fue influenciado por el trabajo de Francis Picabia y Giorgio de Chirico. Aunque expuso con los surrealistas y fue amigo de muchos de ellos, nunca se sometió totalmente a su movimiento, y no firmó el Manifiesto Surrealista, quizás por la radical actividad política de los surrealistas, que también estaban muy interesados ​​en el ideas psicológicas de Sigmund Freud y Jung.

En 1927 y 1928, Miró pintó figuras derivadas del arte popular catalán. En 1928 comenzó a pintar imágenes basadas en postales de algunos interiores holandeses que había visto en Holanda, de pintores como Jan Steen. Las imágenes a partir de las que trabajó estaban llenas de formas; gradualmente simplificó las formas y despojó la imagen en gran medida, utilizando divisiones geométricas y movimientos curvos en las composiciones. En este momento se alejó más de sus puntos de partida y comenzó a utilizar fuentes inusuales, como un motor diesel, influenciado por el pensamiento surrealista. De 1928 a 1929 produjo una serie de collages en París que se había acercado a Max Ernst, Rene Magritte, Paul Eluard y Jean Arp, por lo que estaba más influenciado por el trabajo de estos pintores surrealistas y un poeta. Max Ernst, en particular, es conocido por sus collages. En el arte surrealista había dos tendencias: la imaginería representativa de Dali y Magritte, y las imágenes más abstractas de Masson y Miro, aunque ambas se vieron afectadas por las ideas surrealistas de la antilógica y el subconsciente y las imágenes de Dalí y Magritte, aunque pintadas en un estilo. De manera muy realista, representan objetos y escenas que no aparecen en el mundo racional, como un tren que entra en una habitación a través de una chimenea o relojes que se derriten. Para 1929, Miro había terminado la primera fase de su creación artística, y comenzó a cuestionar y reevaluar su trabajo durante los siguientes 10 años, que fueron una lucha para él, financiera y artísticamente. Comenzó a experimentar con materiales: haciendo colles de papel y collages, usando imágenes de objetos ordinarios como utensilios domésticos, máquinas y clavos, cuerdas, etc. Este período de experimentación lo ayudó a abandonar cualquier práctica tradicional persistente y a eliminar los hábitos habituales de laboral. Al usar objetos sin importancia, los artistas pueden concentrarse en las cualidades abstractas de los objetos, en lugar de en sus significados o emociones asociados, lo que permite una libertad más formal y el espectador también es menos capaz de adjuntar significados literales a las imágenes. Estos temas "neutrales" con poco valor o significado estético desvían la atención del tema hacia las formas y el contenido de la imagen. Después de crear estos collages, Miro haría una pintura del collage, transfiriendo una imagen de collage plana al lienzo igualmente plano. Estas pinturas de los collages son imágenes altamente refinadas y fuertemente gráficas, y aunque no contienen un tema identificable, las pinturas contienen contenido o significado. Aunque Miro a menudo se caracteriza como un pintor abstracto, él mismo consideró que no lo era, incluso sintió que era un insulto llamar abstracto a su trabajo, ya que afirmaba que cada forma en sus imágenes se basaba en algo del mundo externo, simplemente simplificado. en sus características formas biomórficas y líneas curvas. En la década de 1930, el conflicto estaba activo en todo el mundo, en particular la Guerra Civil Española y los inicios de la Segunda Guerra Mundial. Muchas atrocidades ocurrieron durante la Guerra Civil española, infligidas por las fuerzas fascistas de Franco, como las describe Picasso en su famoso Guernica. Aunque Miro no era un artista político, sus formas durante este tiempo representan cierta brutalidad, con distorsiones y colores chillones. Creó un mural para el pabellón español en la Exposición de París de 1937, llamado The Reaper.

En 1940 y '41, comenzó su conocida serie de 22 Constelaciones, que consisten en puntos negros que representan estrellas sobre un fondo blanco, usando gouache y óleo diluido sobre papel. Estas son obras muy intrincadas, con todas las partes del lienzo activadas. Los puntos cuidadosamente colocados crean una sensación de movimiento de 'saltar' o 'bailar', incluso una sensación de "conectar los puntos". Recuerdan los trabajos tardíos de Piet Mondrian, cuando descubrió el jazz estadounidense: Broadway Boogie-Woogie de 1947, que tiene el mismo movimiento visual y la calidad de baile de los pequeños cuadrados. Sin embargo, el trabajo de Miro tiende hacia una mayor conciencia cósmica: estas son estrellas, en lugar de solo puntos abstractos (poesía pintada).

Miró se quedó en España durante la Segunda Guerra Mundial, su obra está influenciada por la noche, la música y las estrellas. Sus formas se volvieron aún más abstractas, y usó una serie de técnicas en su trabajo, por ejemplo, cada vez que las líneas se cruzaban, había un toque de color primario cuando el rojo y el negro se superponían con amarillo. Dio a las obras títulos evocadores como El hermoso pájaro que revela lo desconocido a una pareja de amantes. En 1942 comienza su interés por el grabado y la cerámica (con su amigo Artigas, un alfarero de gran habilidad), y en 1944 vuelve a la pintura, aportando ahora una calidad caligráfica a sus imágenes. A estas alturas comenzaba a ganar fama internacional, debido a su exposición retrospectiva de 1941 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y su presencia en la Exposición Surrealista Internacional de 1947 en París, organizada por Marcel Duchamp y Andre Breton. Ese año fue invitado a hacer un encargo mural para un hotel en Cincinnati, Ohio, que tenía 30 pies de largo. En 1950 y 1951 hizo otro mural para el Graduate Center de Harvard, que consistía en bloques de color vagamente cuadrados combinados con líneas negras y pequeñas áreas de color puro. Estos elementos forman figuras caricaturescas. (Este mural fue reemplazado más tarde por el mural de cerámica de Miró). Durante la década de 1940 también pintó algunas "figuras de palitos", y en la década de 1950 sus imágenes contenían formas que eran casi como pictografías primitivas. En sus pinturas, las formas a menudo no tocan los bordes del área de la imagen; la mayoría están a una distancia uniforme de los bordes, con quizás un pequeño elemento tocando el borde del lienzo en la parte superior o en otro lugar. Sus fondos también se han vuelto más moteados ahora, en lugar de áreas planas de pintura, lo que le da a las imágenes una sensación de profundidad visual. A pesar de no tocar los bordes por completo, sus formas en este momento aún logran tener un tipo de composición general. También comenzó a pintar cerámica durante este tiempo. Después de la guerra, después de haber estado recluido, pasó un tiempo con sus amigos artistas Marcel Duchamp, Alexander Calder e Yves Tanguy en Nueva York. Fue influenciado por su tiempo en Estados Unidos, particularmente por la vida en la ciudad de Nueva York, que consistió en luces brillantes y una especie de bombardeo sensorial, a veces estresante. En 1948 regresó a París y realizó varias exposiciones. Algunas de sus obras ahora están cuidadosamente compuestas y ejecutadas, y otras son deliberadamente espontáneas y experimentales. A principios de la década de 1950 comienza a fusionar estas dos tendencias en su obra, con un fondo pictórico, formas lineales en blanco y negro y toques de color puro. Durante la década de 1950, desarrolló un enfoque completamente nuevo, utilizando los métodos de pintura del hombre primitivo, haciendo formas pintadas y talladas. En ese momento, hizo realidad su sueño de toda la vida de un "gran estudio", y se rodeó de todos los objetos que había recolectado durante años en caminatas, como piedras pulidas, madera flotante, conchas marinas, herraduras, implementos agrícolas, etc. Esto también reflejaba el interés surrealista en objetos mágicos especiales, como los talismanes. Sus formas simples fomentaron las formas simples en su obra. De 1945 a 1950, había tallado pequeñas figuras en arcilla, como diosas primitivas de la fertilidad, y jarrones simples con formas de aves y cabezas. Entre 1954 y 1960 realiza su mayor producción cerámica, de la mano de Josep Llorens y Artigas, quien aporta su experiencia técnica a sus creaciones. Tenían el uso de un horno muy grande para que Miro horneara sus formas cerámicas cada vez más grandes, que creó en partes individuales para volver a conectarlas después de la cocción. Querían producir obras de cerámica que no fueran simplemente pinturas transferidas a la cerámica, sino en deferencia al medio cerámico en sí. Su gran proyecto era convertir los objetos de arte de Miro al medio cerámico. Comenzaron con grandes bloques de piedra sugeridos por formaciones rocosas naturales en el campo, luego hicieron pequeñas formas de guijarros y huevos. Hicieron jarrones, platos y cuencos, y les agregaron formas, para producir objetos sin uso práctico. Finalmente, creó formas completamente inventadas. Desarrollaron un proceso de vidriado altamente refinado, utilizando de 3 a 8 cocciones por pieza. Debido a la imprevisibilidad de un horno, las piezas pueden desmoronarse o producir resultados inesperados. El uso del método de cerámica raku, horneado con fuego de leña, produce efectos que no se ven con los hornos de gas o eléctricos. Miro aprendió a controlar en gran medida estos caprichos del horno, y resultaron 232 piezas, que envió a París en 1956 para una exhibición en la Galerie Maeght. El efecto de este espectáculo en la galería fue poderoso, teniendo un fuerte efecto en los espectadores: sus formas primitivas de pie y sentadas, como un bosque paleolítico. Miro también produjo su primera escultura de bronce en este momento. En 1955 recibió el encargo de decorar el nuevo edificio de la UNESCO en París y realizó un diseño de cerámica de acuerdo con el diseño del edificio. Para este proyecto, él y Artigas inspeccionaron las pinturas rupestres de Altamira y los frescos románicos del Museo de Barcelona, ​​así como las decoraciones del arquitecto Gaudí. Miro recibió el premio Guggenheim en 1958 por este trabajo.

En 1959 regresó a la pintura nuevamente, y su trabajo ahora fue informado por sus experiencias en otros medios. En 1962 pintó Pintura Mural III, una imagen extremadamente sobria con una superficie sólida de color amarillo anaranjado, con dos pequeños puntos negros y tres líneas irregulares, una imagen sobria y pictórica. Durante la década de 1960 dedicó más tiempo a los medios del grabado, la cerámica, los murales y la escultura. Una de las razones de su interés por estos otros medios fue que implicaban colaborar con otras personas, más que la actividad solitaria de pintar. Además, la producción de grabado de muchas imágenes en lugar de un solo original le atrajo.

La influencia de Miro en el arte de finales del siglo XX es grande, algunos artistas que fueron influenciados por él incluyen a Robert Motherwell, Alexander Calder, Arshile Gorky, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko y pintores abstractos expresivos. Quizás el pintor de campo de color original fue Matisse, y quizás el uso de Miro de un gran campo de color se debió a la influencia de Matisse. Los pintores que vinieron después y usaron el campo de color incluyen a Helen Frankenthaler, Jules Olitski y Morris Louis. Los vastos campos de color de Miró también introdujeron la idea de que el espacio "vacío" era tan valioso como el espacio ocupado en la pintura. Aquí hay una cita de Miró de 1958 de Artistas en el arte del siglo XX:

El espectáculo del cielo me abruma. Me siento abrumado cuando veo, en un cielo inmenso, la media luna de la luna o el sol. Ahí, en mis imágenes, formas diminutas en enormes espacios vacíos. Espacios vacíos, horizontes vacíos, llanuras vacías: todo lo que está desnudo siempre me ha impresionado mucho. & # 8221

Su forma biomórfica característica también influyó en la abstracción del siglo XX, con Alexander Calder y otros. Miro tuvo un lugar único entre el surrealismo y el expresionismo abstracto, influyendo en la Escuela de pintores de Nueva York en las décadas de 1940 y 1950. A lo largo de su vida, Miró trabajó en varios procesos de grabado, incluido el grabado, la litografía y el aguafuerte, así como el uso de plantillas (llamado pochoir). Afirmó que el grabado enriqueció sus pinturas y le dio nuevas ideas para su trabajo. En 1967, Miro se introdujo en el carborundo (grabado de carburo de silicio) combinando esta técnica con otros procesos de grabado, fue capaz de producir imágenes que rivalizaban con las cualidades originales de la pintura. Continuó explorando las aguatinta al carborundo durante el resto de su vida, y en 1970 el Museo de Arte Moderno de Nueva York celebró una exposición especialmente dedicada a estos grabados. En sus últimos años, pasó la mayor parte de su tiempo haciendo grabados, aguatinta a gran escala e ilustraciones de libros. Gran parte de su trabajo se puede encontrar en el Guggenheim y el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante la década de 1970 continuó recibiendo una gran aceptación y tuvo importantes exposiciones en el Musée National d'Art Moderne y otras importantes instituciones de arte en Europa y América. En 1980, el rey Juan Carlos de España otorgó a Miró la Medalla de Oro de Bellas Artes. En 1983, año de su 90 cumpleaños (y su muerte), se celebraron sus cumpleaños en Nueva York y Barcelona.

En 1972 se constituye legalmente en Barcelona la Fundacio Joan Miro, Fundación Joan Miro. El museo abrió en 1976, con una colección de dibujos de Miró. Allí se exhibe una gran selección de pinturas, esculturas, textiles y grabados de Miró, así como exposiciones de otros artistas modernos y contemporáneos. En el libro Pintores en la pintura, Miró es citado en una entrevista de 1947, diciendo que sus escuelas de pintura favoritas son los pintores rupestres, los primitivos. Afirmó en un momento que desde la era de la pintura rupestre, el arte no ha hecho más que degenerar. También expresó su agrado por Odilon Redon, Paul Klee y Wassily Kandinsky por su "espíritu". Para los artistas de la pintura "pura", prefirió a Pablo Picasso y Henri Matisse, y sintió que ambos puntos de vista son importantes. Añadió que la dirección que debía tomar la pintura era "redescubrir las fuentes del sentimiento humano". También afirmó que no hacía distinciones entre pintura y poesía, y que pintar es "como hacer el amor, es un intercambio de sangre, un abrazo total, imprudente e indefenso". Dijo que su objetivo era ayudar a la pintura a avanzar más allá del caballete, empujar sus límites para crear una respuesta primero de sensación física, luego un gran impacto en la psique del espectador. Consideraba que la abstracción pura era un absurdo y un vacío. Al igual que Gaudí, Miró quedó fascinado con la lengua catalana y exigió en su testamento que su funeral se realizara en estilo catalán con la necrológica escrita en lengua catalana.

Las imágenes de Miro, que provienen de su memoria, el inconsciente, los sueños y los procesos transformadores del arte modernista, son a la vez infantiles, inocentes y sofisticadas. Sus dos polos de existencia, Cataluña y París, reflejan esta combinación de lo rural y lo cosmopolita. Sus formas (criaturas como personas, pájaros, insectos y animales) son caprichosas y expresivas, además de inventivas. Puede que no se conozca el significado último de todas sus realidades abstractas, pero es seguro decir que todas tenían un significado para él, en su infancia, en sus sueños y en su vida.


NORD-SUD, 1917

Nord-Sud, 1917, de Joan Miró. Fotografía: Colección Maeght, París

Miró, de 24 años, anhela irse de Barcelona a París

Miró realizó este cuadro en 1917, cuando vivía en su Barcelona natal y soñaba con mudarse a París. Estaba en el último año de su servicio nacional como soldado. España no estaba involucrada en la Primera Guerra Mundial, y estaba frustrado porque los combates en Francia habían puesto en suspenso sus ambiciones de alistarse en la vanguardia parisina. Después de un período de depresión, había renunciado a la carrera en los negocios que su padre había planeado para él, y había pasado los cuatro años anteriores, cuando no estaba en uniforme, pintando a tiempo completo que tenía esa prematura de 24 años. Sentir que la vida ya le estaba pasando.

La presencia en su pintura de la revista Nord-Sud -Fundada en París ese año por el poeta Guillaume Apollinaire entre otros- insinúa tanto esta ansiedad como una solidaridad con los ideales de libertad que representaba la revista. El pájaro enjaulado detrás de él se enfrenta con una puerta abierta, pero aún no ha volado: "Debo decirte", escribió Miró a su amigo y colega pintor EC Ricart en 1917, "que si tengo que vivir mucho más en Barcelona será asfixiado por la atmósfera, tan tacaño y un remanso (artísticamente hablando) ".

Miró estaba, sobre todo, desesperado, en el espíritu del momento, por formar parte de un -ismo, o mejor, por crearlo. El impresionismo estaba muerto, sugirió: "¡Abajo las puestas de sol llorosas en amarillo canario. Abajo todo eso, hecho por llorones!" Ya estaba anticipando la desaparición del cubismo, el futurismo y el fauvismo (aunque este último en particular tiene una fuerte influencia en su pintura aquí). Las tijeras están abiertas listas para que él corte los lazos con el pasado y el presente, con Cataluña (representada en el característico jarrón) y con los ritos de paso al estilo de Goethe. Pero sus esperanzas de encontrar ese nuevo estilo, esa nueva forma de pintar parecían estar más allá de él y hacia el norte.

Dos años después, Miró aún se encontraba desesperadamente atrapado en este limbo y encontrando nuevos tormentos en la partida de sus amigos: "Ricart debe haberte dicho", le escribió a JF Rafols en agosto de 1919, "que está decidido a ir a París por unos meses. Me temo que se asustará a menos que se dé cuenta de que la vida en París es cara si no logra ir allí con una buena asignación mensual. Definitivamente voy a fines de noviembre. Tienes que ir allí como luchador y no como espectador de la pelea si quieres hacer algo ".

Cuando Miró finalmente llegó a París, en 1920, visitó a Picasso, a quien nunca había conocido, pero cuya madre era una amiga de la familia en Barcelona. Picasso lo cuidó, compró un cuadro que le mostró Miró y lo ayudó a integrarse en la sociedad radical con la que había soñado. En un año, el diminuto estudio de Miró en la rue Blomet recibió visitas regulares de sus nuevos amigos: el poeta Paul Éluard, el dramaturgo Antonin Artaud y el artista Tristan Tzara. Sud había encontrado su camino hacia Nord.


Joan Miró: biografía, obras, exposiciones

Joan Miró nunca fue de los que se rigen por el libro. Como artista, convivió y trabajó con los creadores más notables de su tiempo y estuvo abierto a la influencia de todos y cada uno de los movimientos, obras de arte, escuelas y manifiestos. Pero su obra se separa sutilmente de la de sus contemporáneos, siguiendo invariablemente su propia trayectoria única y personal. A fuerza de una creatividad constante y su interés por todo tipo de técnicas artísticas, Miró dejó un legado amplio, versátil y lleno de coherencia.

El arte de vanguardia más personal del siglo XX

Foto de Joan Miró de Man Ray (1933). De www.museoreinasofia.es

Joan Miró nunca fue de los que se rigen por las reglas. Como artista, convivió y trabajó con los creadores más notables de su tiempo y estuvo abierto a la influencia de todos y cada uno de los movimientos, obras de arte, escuelas y manifiestos. Pero su obra se separa sutilmente de la de sus contemporáneos, siguiendo invariablemente su propia trayectoria única y personal. A fuerza de una creatividad constante y su interés por todo tipo de técnicas artísticas, Miró dejó un legado amplio, versátil y lleno de coherencia. Hoy en día, es considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX a nivel internacional, su influencia trascendió el campo de las artes plásticas para impactar y dar forma a otros como el diseño gráfico y la publicidad. Durante sus noventa años de vida, Miró vivió y trabajó en Barcelona, ​​Mallorca, París y Nueva York y su arraigado amor por el hogar, especialmente Barcelona y la isla de Mallorca, quedó en el corazón de su obra, impregnado de otros paisajes. que influyó en su vida.

"Femme, oiseau, étolie (Homenaje a Pablo Picasso)", 1966-1973. De www.museoreinasofia.es

El amor por el arte y el descubrimiento de la modernidad

Joan Miró i Ferrà nació en Barcelona en 1893, cuando el siglo XIX llegaba a su fin y la llegada del XX auguraba un preocupante cambio en la sociedad, la cultura y las prácticas artísticas. La vocación artística de Miró probablemente estuvo apuntalada por las profesiones de su familia: su padre era orfebre y relojero, mientras que su abuelo era ebanista mallorquín. Los primeros dibujos conocidos de Miró datan de 1901 cuando solo tenía 8 años. Durante sus años universitarios compagina los estudios de Negocios con Bellas Artes y en 1910 comienza a trabajar como contador en una empresa farmacéutica, pero su disposición artística se rebela contra el estancamiento del cálculo numérico y dimite. Aproximadamente al mismo tiempo, enferma de fiebre tifoidea y se va a vivir por primera vez a Mont-Roig, en una casa de campo propiedad de sus padres, y las tierras bajas catalanas circundantes quedarán para siempre en su corazón y en su mente, convirtiéndose en el protagonista en muchas de sus obras.

"Sirurana, el camí" (1917). Museo Reina Sofía, Madrid. De www.museoreinasofia.es

La convalecencia le da tiempo a Miró para reflexionar sobre su futuro y es entonces cuando decide dedicar su vida a la pintura y se matricula en la Escuela de Arte Francesc Gali donde entra en contacto por primera vez con el círculo de artistas catalanes que luego se convertirán en sus amigos. , colegas y marchantes de arte. Son años de pasión y juventud, de pintar modelos en vivo y compartir estudios con otros artistas. También son años de descubrimiento: el arte dadaísta y las publicaciones catalanas y francesas de vanguardia despiertan el interés del joven Miró.

Los años de París

A principios de la década de 1920 y tras su primera exposición en las Galerías Dalmau de su amigo y primer marchante Josep Dalmau, Miró se traslada a París, donde trabaja en el estudio de Pablo Gargallo. Durante sus meses de descanso regresa a Mont-Roig que, junto a París, Barelona y Nueva York, constituye el núcleo alrededor del cual se estructuraría su obra. Fueron años emocionantes en los que conoce a Picasso, André Masson, Ernest Hemingway, André Breton y Paul Éluard, entre otras figuras destacadas de las élites intelectuales y artísticas de la época. Miró trabaja en proyectos más allá de la mera pintura, como su colaboración con Max Ernst en el vestuario y la puesta en escena del ballet "Romeo y Julieta". También es en este momento que crea su primer " Bailarines españoles " (1928), collages de inspiración dadaísta que marcarán su obra posterior. A partir de 1930, Miró muestra un interés creciente por otras disciplinas, como el bajorrelieve y la escultura, que pasarán a tener más protagonismo en los años siguientes que su pintura, aunque nunca la abandona por completo.

"Bailarina española I" (1928). Museo Reina Sofía, Madrid. De www.museoreinasofia.es

Collages, objetos y murales

Joan Miró trabajando en el mural "La Parca" (1937). De www.20minutos.es

A partir de 1931, Miró, repartiendo su tiempo entre Mont-Roig, París y Barcelona, ​​añade otra nueva y fascinante ubicación: Nueva York, donde Pierre Matisse, hijo del pintor y grabador fauvista francés Henri, será su representante. Durante estos años, Miró amplía cada vez más el espectro de disciplinas utilizadas para su trabajo, creando aguafuertes, collages, ensamblajes y pinturas sobre masonita. El estallido de la Guerra Civil española le obliga, junto con su familia, a trasladarse a París donde se compromete con la causa republicana pintando, en 1937, un gran mural ”.The Reaper (campesino catalán en revuelta) ", para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de ese año. Desde entonces, el mural ha desaparecido y las fotografías en blanco y negro son todo lo que sobrevivió.

Pasión por la escultura

"Personaje" (1974) de la exposición Joan Miró: Esculturas, organizado por el Centro Botín de Santander en 2018. De ABC

A partir de la década de 1920, Miró dedica gran parte de su tiempo a la escultura. Sus obras tridimensionales se inspiraron en su declarada pasión por los 'objetos', tanto que llegó a almacenar cientos de ellos en su estudio. En la década de 1940, el artista realiza sus primeros bronces y comienza a experimentar con diferentes materiales y soportes. Hasta el final de su vida, Miró desarrollaría su obra escultórica y compilaría un enorme portafolio. En la década de los sesenta, Alberto Giacometti le aconsejó pintar algunos de sus bronces, sugerencia que dio como resultado algunas piezas magníficas, como "Personal " (1967). Además de bronces y figuras pintadas, Miró también trabajó con mármol y hormigón revestido de cerámica. Su última escultura monumental, "Dona i Ocell " (1987), es un buen ejemplo de su dominio de los materiales.

Arte internacional que sigue vivo

A partir de la década de 1950, Miró consolida su reputación internacional y su fama comienza a extenderse por todo el mundo. Se instala definitivamente en Palma de Pallorca donde realiza sus primeras piezas cerámicas, en colaboración con el ceramista Josep Llorens Artigas. Empleará esta técnica en enormes murales que aún se pueden ver y admirar en numerosas ciudades importantes, las de la sede de la UNESCO en París (ganador del Premio Internacional Guggenheim), La Universidad de Harvard y el aeropuerto de Barcelona, ​​por nombrar solo algunos. 1975 ve la inauguración de la Fundación Miró en Barcelona, ​​encargada de gestionar y difundir el legado del artista. Miró continuó trabajando durante el resto de su vida y murió a los noventa años en 1983, considerado uno de los más grandes artistas del siglo XX.

Mural "La luna" (1958) en colaboración con Josep Llorens Artigas en la sede de la UNESCO, París. De www.unesco.org

EXPOSICIONES

Homenaje a Miró (1974)

Esta exposición en el Grand Palais de París fue la última retrospectiva de su obra que tuvo lugar durante la vida de Miró. Más de cuarenta años después, en 2018, el Grand Palais inauguraría otra gran exposición dedicada al artista, "Miró, el color de los sueños", mostrando más de 150 de sus obras.

Miró y el objeto (2016)

Organizada por el CaixaForum Madrid, esta exposición tuvo como objetivo explorar nuevas facetas del universo de Miró a través de los objetos: su poética, sus posibilidades expresivas y el "alma" que Miro siempre supo encontrar en ellos. La exposición se inauguró en Madrid después de mostrarse por primera vez en la Fundación Miró de Barcelona y cubre el largo período artístico desde la década de 1920 hasta la de 1970. Algunas de las obras expuestas (por ejemplo "Los juguetes", 1924) se veían en España por primera vez.

Miró, el color de los sueños (2018-19)

Como se mencionó anteriormente, esta exposición en el Grand Palais fue en honor a la obra y figura de Joan Miró cuarenta y cuatro años después de la anterior retrospectiva de los años setenta. Como comentó en ese momento su amigo personal y comisario de la exposición, Jean Luis Prat: “Miró probablemente se vio profundamente afectado por 50 años de historia marcados por dos guerras mundiales. Estos hechos formidables y las preguntas que hizo a los hombres, a sí mismo y a su patria han coloreado su obra ".

Nacimiento del mundo - MoMA (2019)

A principios de 2019, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) organizó una gran exposición de la obra del artista con piezas clave de su magnífica colección y varios préstamos exclusivos. La exposición centra la pintura "El nacimiento del mundo" como su punto focal. La muestra estuvo compuesta por casi 60 óleos sobre lienzo, dibujos sobre papel, grabados, libros ilustrados y objetos.

"Miró". Jacques Dupin, 1961

Constantemente revisada, actualizada y reelaborada, la monografía publicada por Jacques Dupin a principios de los años sesenta es una lectura imprescindible para quien quiera saber todo lo que hay que saber sobre nuestro artista catalán. El biógrafo completó el libro incluyendo la obra de Miró durante las siguientes dos décadas restantes de su vida, gracias a la excelente relación que mantuvo con la familia de Miró y al acceso sin precedentes al trabajo realizado por historiadores, comisarios y expertos en arte. En 1993 se publicó otra edición revisada que aún hoy se considera uno de los textos más fundamentales sobre la vida y obra de Joan Miró.

"Miró". Janis Mink, 1999

La editorial Taschen, referente en arte y monografías de artistas, publicó en 1999 una biografía de Joan Miró a cargo de Janis Mink. Con cientos de ilustraciones y una magnífica atención al detalle, el libro cubre la trayectoria del artista de casi 70 años, desde sus dibujos automáticos de estilo surrealista hasta las esculturas de ensamblaje que construyó a partir de objetos. El libro se cuida de respetar la idiosincrasia de Miró como artista y figura inclasificable que se resistió a encasillarse en categorías, tendencias o escuelas.

“Joan Miró. El camino al arte ”. Pilar Cabañas, 2013

Mucho se ha escrito sobre la vida y obra de Joan Miró pero aun así, en 2013, Pilar Cabañas logró arrojar una luz completamente nueva sobre la obra del artista y escribir un libro que es vital para comprenderla. Basando su punto de vista en los principios que rigen la obra de Miró, la autora nos da las pautas para entender al hombre como ser humano y como artista. Cabañas profundiza en temas como qué impulsa su creatividad, el razonamiento detrás de su arte y la exploración de la tristeza, la soledad y el dolor en su obra, entre otros. Con Miró como punto de partida, Cabañas nos guía por el arte en general como camino hacia la trascendencia y la esencia de la humanidad. El texto se enriquece con la participación de Ignacio Llamas que diseñó la edición.


Contenido

Nacido en una familia de orfebre y relojero, Miró creció en el barrio de Barri Gòtic de Barcelona. [6] El Miró apellido indica posibles raíces judías (en términos de marrano o converso Judíos ibéricos que se convirtieron al cristianismo). [7] [8] Su padre fue Miquel Miró Adzerias y su madre fue Dolors Ferrà. [9] Comenzó a tomar clases de dibujo a la edad de siete años en una escuela privada en Carrer del Regomir 13, una mansión medieval. Para consternación de su padre, se matriculó en la academia de bellas artes de La Llotja en 1907. Estudió en el Cercle Artístic de Sant Lluc [10] y tuvo su primera exposición individual en 1918 en las Galeries Dalmau, [11] donde su trabajo fue ridiculizado y desfigurado.[12] Inspirado por las exposiciones fauvistas y cubistas en Barcelona y en el extranjero, Miró se sintió atraído por la comunidad artística que se estaba reuniendo en Montparnasse y en 1920 se mudó a París, pero continuó pasando sus veranos en Cataluña. [6] [13] [14] [15]

Carrera Editar

Miró inicialmente fue a la escuela de negocios y también a la escuela de arte. Comenzó su carrera laboral como oficinista cuando era un adolescente, aunque abandonó por completo el mundo empresarial por el arte tras sufrir un ataque de nervios. [18] Su arte temprano, como el de los fauvistas y cubistas de influencia similar, se inspiró en Vincent van Gogh y Paul Cézanne. El parecido de la obra de Miró con la de la generación intermedia de las vanguardias ha llevado a los estudiosos a denominar este período su período fauvista catalán. [19]

Pocos años después de la exposición individual de Miró en Barcelona en 1918, [11] se instaló en París donde terminó una serie de cuadros que había comenzado en la casa de verano y finca de sus padres en Mont-roig del Camp. Una de esas pinturas La granja, mostró una transición a un estilo de pintura más individual y ciertas cualidades nacionalistas. Ernest Hemingway, quien más tarde compró la pieza, comparó el logro artístico con el de James Joyce. Ulises y lo describió diciendo: "Tiene todo lo que sientes por España cuando estás allí y todo lo que sientes cuando estás fuera y no puedes ir allí. Nadie más ha sido capaz de pintar estas dos cosas tan opuestas". [20] Miró regresaba anualmente a Mont-roig y desarrollaba un simbolismo y un nacionalismo que lo acompañaría a lo largo de su carrera. Dos de las primeras obras de Miró catalogadas como surrealistas, Paisaje catalán (El cazador) y El campo labrado, [21] emplean el lenguaje simbólico que dominaría el arte de la próxima década. [22]

Josep Dalmau organizó la primera exposición individual parisina de Miró, en la Galerie la Licorne en 1921. [13] [23] [24]

En 1924, Miró se incorporó al grupo surrealista. La naturaleza ya simbólica y poética de la obra de Miró, así como las dualidades y contradicciones inherentes a ella, encajan bien en el contexto del automatismo onírico que propugna el grupo. Gran parte del trabajo de Miró perdió la desordenada y caótica falta de enfoque que había definido su trabajo hasta el momento, y experimentó con el collage y el proceso de pintura dentro de su trabajo para rechazar el encuadre que proporcionaba la pintura tradicional. Esta actitud antagónica hacia la pintura se manifestó cuando Miró se refirió ambiguamente a su obra de 1924 como "x" en una carta al amigo poeta Michel Leiris. [25] Las pinturas que surgieron de este período fueron finalmente denominadas pinturas oníricas de Miró.

Sin embargo, Miró no abandonó por completo el tema. A pesar de las técnicas automáticas surrealistas que empleó ampliamente en la década de 1920, los bocetos muestran que su trabajo fue a menudo el resultado de un proceso metódico. La obra de Miró rara vez se sumerge en la no objetividad, manteniendo un lenguaje simbólico y esquemático. Esto fue quizás más prominente en la repetida Cabeza de un campesino catalán serie de 1924 a 1925. En 1926, colaboró ​​con Max Ernst en los diseños para el empresario de ballet Sergei Diaghilev. Con la ayuda de Miró, Ernst fue pionero en la técnica de grattage en el que uno aplica el pigmento sobre un lienzo y luego lo raspa. [26] [ cita necesaria ]

Miró volvió a una forma de pintura más representativa con Los interiores holandeses de 1928. Realizado a partir de obras de Hendrik Martenszoon Sorgh y Jan Steen vistas como reproducciones de postales, las pinturas revelan la influencia de un viaje a Holanda realizado por el artista. [27] Estas pinturas tienen más en común con Campo labrado o Carnaval de Arlequín que con las pinturas de sueños minimalistas producidas unos años antes.

Miró se casó con Pilar Juncosa en Palma (Mallorca) el 12 de octubre de 1929. Su hija, María Dolores Miró, nació el 17 de julio de 1930. En 1931, Pierre Matisse abrió una galería de arte en la ciudad de Nueva York. La Galería Pierre Matisse (que existió hasta la muerte de Matisse en 1989) se convirtió en una parte influyente del movimiento de arte moderno en Estados Unidos. Matisse representó desde el principio a Joan Miró e introdujo su obra en el mercado de Estados Unidos exponiendo con frecuencia la obra de Miró en Nueva York. [28] [29]

Hasta el estallido de la Guerra Civil Española, Miró regresaba habitualmente a España en los veranos. Una vez que comenzó la guerra, no pudo regresar a casa. A diferencia de muchos de sus contemporáneos surrealistas, anteriormente Miró había preferido mantenerse alejado de los comentarios explícitamente políticos en su obra. Aunque un sentimiento de nacionalismo (catalán) invadió sus primeros paisajes surrealistas y Cabeza de un campesino catalán, no fue hasta que el gobierno republicano de España le encargó pintar el mural El segador, para el Pabellón Republicano de España en la Exposición de París de 1937, que la obra de Miró adquirió un significado políticamente cargado. [30]

En 1939, ante la inminente invasión de Francia por parte de Alemania, Miró se trasladó a Varengeville en Normandía, y el 20 de mayo del año siguiente, cuando los alemanes invadieron París, huyó por poco a España (ahora controlada por Francisco Franco) durante la vigencia del régimen de Vichy. regla. [31] En Varengeville, Palma y Mont-roig, entre 1940 y 1941, Miró creó la serie veintitrés gouache Constelaciones. Girando en torno al simbolismo celestial, Constelaciones se ganó el elogio del artista de manos de André Breton, quien diecisiete años después escribió una serie de poemas, nombrados e inspirados en la serie de Miró. [32] Las características de este trabajo revelaron un enfoque cambiante hacia los temas de las mujeres, los pájaros y la luna, que dominarían su iconografía durante gran parte del resto de su carrera.

Shuzo Takiguchi publicó la primera monografía sobre Miró en 1940. En 1948-1949 Miró vivió en Barcelona y realizó frecuentes visitas a París para trabajar en técnicas de impresión en los estudios Mourlot y el Atelier Lacourière. Desarrolló una estrecha relación con Fernand Mourlot y eso resultó en la producción de más de mil ediciones litográficas diferentes.

En 1959, André Breton pidió a Miró que representara a España en El homenaje al surrealismo exposición junto a Enrique Tábara, Salvador Dalí y Eugenio Granell. Miró creó una serie de esculturas y cerámicas para el jardín de la Fundación Maeght en Saint-Paul-de-Vence, Francia, que se completó en 1964.

En 1974, Miró realizó un tapiz para el World Trade Center de Nueva York junto al artista catalán Josep Royo. Inicialmente se había negado a hacer un tapiz, luego aprendió el oficio de Royo y los dos artistas produjeron varios trabajos juntos. Su Tapiz del World Trade Center se exhibió en el edificio [33] y fue una de las obras de arte más caras perdidas durante los ataques del 11 de septiembre. [34] [35]

En 1977, Miró y Royo terminaron un tapiz para ser exhibido en la Galería Nacional de Arte en Washington, DC. [36] [37]

En 1981, Miró El sol, la luna y una estrella—Más tarde renombrado Chicago de Miró—Fue desvelado. Esta gran escultura de técnica mixta está situada al aire libre en el área de Loop del centro de Chicago, al otro lado de la calle de otra gran escultura pública, el Chicago Picasso. Miró había creado una maqueta de bronce de El sol, la luna y una estrella en 1967. La maqueta ahora reside en el Museo de Arte de Milwaukee.

Vida tardía y muerte Editar

En 1979 Miró se doctoró honoris causa de la Universidad de Barcelona. El artista, que padecía una insuficiencia cardíaca, murió en su casa de Palma (Mallorca) el 25 de diciembre de 1983. [38] Posteriormente fue enterrado en el cementerio de Montjuïc de Barcelona.

Salud mental Editar

A través del análisis de textos personales escritos por Joan Miró se ha establecido que ha vivido múltiples episodios depresivos a lo largo de su vida. [39] Experimentó su primera depresión cuando tenía 18 años en 1911. [40] Gran parte de la literatura se refiere a esto como si fuera un pequeño revés en su vida, mientras que parecía ser mucho más que eso. [41] El propio Miro declaró: “Estaba desmoralizado y sufría una depresión grave. Me enfermé mucho y estuve tres meses en cama "". [42]

Existe una clara conexión entre su salud mental y sus pinturas, ya que utilizó la pintura como una forma de lidiar con sus episodios de depresión. Supuestamente incluso lo hizo más tranquilo y sus pensamientos menos oscuros. Joan Miró dijo que sin pintar se puso '' muy deprimido, lúgubre y me salen 'ideas negras', y no sé qué hacer conmigo mismo ''. [43]

La influencia de su estado mental es muy visible en su pintura. Carnaval del Arlequín. Trató de pintar el caos que experimentó en su mente, la desesperación de querer dejar atrás ese caos y el dolor creado por eso. Miró pintó aquí el símbolo de la escalera, que también es visible en muchas otras pinturas después de este pintado. Se supone que simboliza el escape. [44]

La relación entre creatividad y enfermedad mental está muy bien estudiada. [45] Las personas creativas tienen mayores posibilidades de sufrir una enfermedad maníaco depresiva o esquizofrenia, así como una mayor posibilidad de transmitir esto genéticamente. [46] Aunque sabemos que Miró sufría de depresión episódica, no se sabe si también experimentó episodios maníacos, que a menudo se denominan trastorno bipolar. [47]

Fauvista temprana Editar

Sus primeras obras modernistas incluyen Retrato de Vincent Nubiola (1917), Siurana (el camino), Nord-Sud (1917) y Pintura de Toledo. Estas obras muestran la influencia de Cézanne y llenan el lienzo de una superficie colorida y un tratamiento más pictórico que el estilo duro de la mayoría de sus obras posteriores. En Nord-SudEn el bodegón aparece el periódico literario de ese nombre, recurso compositivo habitual en las composiciones cubistas, pero también referencia a los intereses literarios y vanguardistas del pintor. [48]

Realismo mágico Editar

A partir de 1920, Miró desarrolló un estilo muy preciso, seleccionando cada elemento de forma aislada y detallada y ordenándolos en una composición deliberada. Estos trabajos, incluyendo Casa con Palmera (1918), Desnudo con un espejo (1919), Caballo, pipa y flor roja (1920) y La mesa - Naturaleza muerta con conejo (1920), muestran la clara influencia del cubismo, aunque de forma comedida, aplicándose sólo a una parte del tema. Por ejemplo, La esposa del granjero (1922-23), es realista, pero algunas secciones están estilizadas o deformadas, como el tratamiento de los pies de la mujer, que se agrandan y aplanan. [49]

La culminación de este estilo fue La granja (1921-22). La escena rural catalana que representa se ve aumentada por un periódico francés de vanguardia en el centro, que muestra que Miró ve esta obra transformada por las teorías modernistas a las que había estado expuesto en París. La concentración en cada elemento como igualmente importante fue un paso clave para generar un signo pictórico para cada elemento. El fondo está renderizado en plano o estampado en zonas sencillas, destacando la separación de figura y fondo, que cobraría importancia en su estilo maduro.

Miró hizo muchos intentos para promover este trabajo, pero sus colegas surrealistas lo encontraron demasiado realista y aparentemente convencional, por lo que pronto se volvió hacia un enfoque más explícitamente surrealista. [50]

Surrealismo temprano Editar

En 1922, Miró exploró el surrealismo abstracto y fuertemente coloreado en al menos una pintura. [51] A partir del verano de 1923 en Mont-roig, Miró inicia un conjunto clave de pinturas donde predominan los signos pictóricos abstractos, más que las representaciones realistas utilizadas en La Granja. En El campo labrado, Paisaje catalán (El cazador) y Pastoral (1923–24), estas formas y líneas planas (en su mayoría negras o de colores intensos) sugieren a los sujetos, a veces de forma bastante críptica. Para Paisaje catalán (El cazador), Miró representa al cazador con una combinación de signos: un triángulo para la cabeza, líneas curvas para el bigote, líneas angulares para el cuerpo. Tan codificada está esta obra que posteriormente Miró proporcionó una precisa explicación de los signos utilizados. [52]

Lenguaje pictórico surrealista Editar

A mediados de la década de 1920, Miró desarrolló el lenguaje de signos pictórico que sería central durante el resto de su carrera. En Carnaval de Arlequín (1924-25), hay una clara continuación de la línea iniciada con El campo labrado. Pero en obras posteriores, como La felicidad de amar a mi morena (1925) y Pintura (Fratellini) (1927), hay muchas menos figuras en primer plano y las que quedan están simplificadas.

Poco después, Miró también comenzó su Bailarina española serie de obras. Estos simples collages, fueron como un contrapunto conceptual a sus pinturas. En Bailarina española (1928) combina un corcho, una pluma y un alfiler en una hoja de papel en blanco. [50]

Livres d'Artiste Modificar

Miró creó más de 250 libros ilustrados. [53] Estos fueron conocidos como "Livres d 'Artiste". Uno de esos trabajos se publicó en 1974, a instancias de la viuda del poeta francés Robert Desnos, titulado Les pénalités de l'enfer ou les nouvelles Hébrides ("Las penas del infierno o las nuevas Hébridas"). Se trataba de un conjunto de 25 litografías, cinco en negro y las otras en colores.

En 2006 el libro se exhibió en "Joan Miró, Libros ilustrados" en el Museo de Arte de Vero Beach. Un crítico dijo que es "un conjunto especialmente poderoso, no solo por la riqueza de imágenes sino también por la historia detrás de la creación del libro. Las litografías son verticales largas y estrechas, y aunque presentan las formas familiares de Miró, hay un énfasis inusual en la textura". " El crítico continuó: "Me atrajeron instantáneamente estos cuatro grabados, una exuberancia emocional, que contrasta con las superficies frías de gran parte de la obra de Miró. Su conmoción es aún mayor, creo, cuando lees cómo llegaron a ser El artista conoció y se hizo amigo de Desnos, quizás el escritor surrealista más querido e influyente, en 1925, y en poco tiempo, hicieron planes para colaborar en una livre d'artiste. Esos planes quedaron en suspenso debido a la Guerra Civil española y la Segunda Guerra Mundial. La audaz crítica de Desnos a este último lo llevó a su encarcelamiento en Auschwitz, y murió a los 45 años poco después de su liberación en 1945. Casi tres décadas después, por sugerencia de la viuda de Desnos, Miró se propuso ilustrar el manuscrito del poeta. Fue su primera obra en prosa, que fue escrita en Marruecos en 1922 pero permaneció inédita hasta esta colaboración póstuma ". [ Esta cita necesita una cita ]

En París, bajo la influencia de poetas y escritores, desarrolló su estilo único: formas orgánicas y planos pictóricos aplanados dibujados con una línea nítida. Generalmente considerado surrealista debido a su interés en el automatismo y el uso de símbolos sexuales (por ejemplo, ovoides con líneas onduladas que emanan de ellos), el estilo de Miró fue influenciado en diversos grados por el surrealismo y el dadaísmo, [18] pero rechazó la membresía. en cualquier movimiento artístico en los años europeos de entreguerras. André Breton lo describió como "el más surrealista de todos nosotros". Miró confesó haber creado una de sus obras más famosas, Carnaval de Arlequín, en circunstancias similares:

¿Cómo se me ocurrieron mis dibujos y mis ideas para pintar? Bueno, volvía a casa a mi estudio de París en la Rue Blomet por la noche, me iba a la cama y, a veces, no cenaba. Vi cosas y las anoté en un cuaderno. Vi formas en el techo. [54]

Los orígenes surrealistas de Miró evolucionaron a partir de la "represión" al igual que todas las obras surrealistas y realistas mágicas españolas, especialmente debido a su etnia catalana, que fue objeto de una persecución especial por parte del régimen de Franco. Además, Joan Miró conocía bien el arte vudú haitiano y la religión de la santería cubana a través de sus viajes antes de exiliarse. Esto lo llevó a su estilo característico de creación artística. [ cita necesaria ]

Estilo experimental Editar

Joan Miró fue uno de los primeros artistas en desarrollar el dibujo automático como una forma de deshacer técnicas anteriores establecidas en la pintura y, por lo tanto, con André Masson, representó el comienzo del surrealismo como movimiento artístico. Sin embargo, Miró optó por no convertirse en miembro oficial de los surrealistas para tener la libertad de experimentar con otros estilos artísticos sin comprometer su posición dentro del grupo. Persiguió sus propios intereses en el mundo del arte, desde el dibujo automático y el surrealismo hasta el expresionismo, la abstracción lírica y la pintura de campo de color. La pintura tetradimensional fue un tipo de pintura teórico propuesto por Miró en el que la pintura trascendería su bidimensionalidad e incluso la tridimensionalidad de la escultura. [ cita necesaria ] [55]

El a menudo citado interés de Miró en la asesinato de pintura se deriva de una aversión por el arte burgués, que creía que se utilizaba como una forma de promover la propaganda y la identidad cultural entre los ricos. Específicamente, Miró respondió al cubismo de esta manera, que en el momento de su cita se había convertido en una forma de arte establecida en Francia. Se le cita diciendo "Les romperé la guitarra", refiriéndose a las pinturas de Picasso, con la intención de atacar la popularidad y apropiación del arte de Picasso por parte de la política. [56]

El espectáculo del cielo me abruma. Me siento abrumado cuando veo, en un cielo inmenso, la media luna de la luna o el sol. Ahí, en mis imágenes, formas diminutas en enormes espacios vacíos. Espacios vacíos, horizontes vacíos, llanuras vacías: todo lo que está desnudo siempre me ha impresionado mucho. —Joan Miró, 1958, citado en Artistas del siglo XX en el arte

En una entrevista con el biógrafo Walter Erben, Miró expresó su disgusto por los críticos de arte, diciendo que "están más preocupados por ser filósofos que por cualquier otra cosa. Se forman una opinión preconcebida, luego miran la obra de arte. La pintura simplemente sirve como un manto en el que envolver sus demacrados sistemas filosóficos ". [57]

En las últimas décadas de su vida Miró aceleró su trabajo en diferentes medios, produciendo cientos de cerámicas, entre ellas la Muro de la Luna y Muro del sol en el edificio de la UNESCO en París. También hizo pinturas de ventanas temporales (sobre vidrio) para una exhibición. En los últimos años de su vida Miró escribió sus ideas más radicales y menos conocidas, explorando las posibilidades de la escultura de gas y la pintura tetradimensional.

A lo largo de la década de 1960, Miró fue un artista destacado en muchas exposiciones de salón organizadas por la Fundación Maeght que también incluyeron obras de Marc Chagall, Giacometti, Brach, Cesar, Ubac y Tal-Coat.

Las grandes retrospectivas dedicadas a Miró en su vejez en ciudades como Nueva York (1972), Londres (1972), Saint-Paul-de-Vence (1973) y París (1974) eran un buen indicio del reconocimiento internacional que había tenido. crecido de manera constante durante el medio siglo anterior, se llevaron a cabo más retrospectivas importantes a título póstumo. Los cambios políticos en su país natal llevaron en 1978 a la primera exposición completa de su pintura y obra gráfica, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. En 1993, año del centenario de su nacimiento, se realizaron varias exposiciones, entre las que destacan las realizadas en la Fundació Joan Miró, Barcelona, ​​el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid y la Galerie Lelong, París. [58] En 2011, la Tate Modern de Londres montó otra retrospectiva que viajó a la Fundació Joan Miró y la National Gallery of Art, Washington, D.C .. Joan Miró, Grabado, Fundación Joan Miró (2013). Y dos exposiciones en 2014, Miró: de la tierra al cielo en el Museo Albertina, y Obras maestras de la Kunsthaus Zürich, Centro Nacional de Arte, Tokio.

Exposiciones tituladas Joan Miró: instinto e imaginación y "Miró: The Experience of Seeing" se llevaron a cabo en el Denver Art Museum del 22 de marzo al 28 de junio de 2015 y en el McNay Art Museum del 30 de septiembre de 2015 al 10 de enero de 2016 (respectivamente), mostrando obras realizadas por Miró entre 1963 y 1981 , cedido por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. [59] [60] [61] [62] [63]

En la primavera de 2019, se inauguró el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Joan Miró: Nacimiento del mundo. [64] Hasta julio de 2019, la exhibición presenta 60 trabajos desde el inicio de la carrera de Miró, e incluye la influencia de las Guerras Mundiales. La exhibición presenta lienzos de 60 pies, así como pinturas más pequeñas de 8 pies, y las influencias van desde el cubismo hasta la abstracción. [sesenta y cinco]

Miró ha tenido una influencia significativa en el arte de finales del siglo XX, en particular los artistas expresionistas abstractos estadounidenses que incluyen: Motherwell, Calder, Gorky, Pollock, Matta y Rothko, mientras que sus abstracciones líricas [66] y pinturas de campo de color fueron precursoras de ese estilo de artistas como Helen Frankenthaler, Olitski y Louis y otros. [67] Su trabajo también ha influido en los diseñadores modernos, incluidos Paul Rand [68] y Lucienne Day, [69] [ fuente autoeditada? ] e influyó en pintores recientes como Julian Hatton. [70]

Una de las fotografías de Man Ray de 1930, Miró con Cuerda, representa al pintor con una cuerda arreglada clavada a una pared, y fue publicada en la obra surrealista de un solo número Minotauro.

En 2002, el percusionista y compositor estadounidense Bobby Previte lanzó el álbum Las 23 constelaciones de Joan Miró en Tzadik Records. Inspirado en Miró Constelaciones serie, Previte compuso una serie de piezas cortas (ninguna de más de 3 minutos) en paralelo al pequeño tamaño de las pinturas de Miró. Las composiciones de Privete para un conjunto de hasta diez músicos fueron descritas por los críticos como "poco convencionalmente ligeras, etéreas y oníricas". [71]

En 1954 recibió el premio de impresión de la Bienal de Venecia, en 1958 el Premio Internacional Guggenheim. [18] [72]

En 1981, el Ayuntamiento de Palma (Mallorca) estableció la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, alojado en los cuatro estudios que Miró había donado al efecto. [73]

En octubre de 2018, el Grand Palais de París inauguró la mayor retrospectiva dedicada al artista hasta la fecha. La exposición incluyó cerca de 150 obras y fue comisariada por Jean Louis Prat. [74]

Hoy en día, las pinturas de Miró se venden por entre 250.000 y 26 millones de dólares, 17 millones de dólares en una subasta estadounidense para el La Caresse des étoiles (1938) el 6 de mayo de 2008, en ese momento la mayor cantidad pagada por una de sus obras. [75] En 2012, Pintura-Poema ("le corps de ma brune puisque je l'aime comme ma chatte habillée en vert salade comme de la grêle c'est pareil") (1925) se vendió en Christie's London por 26,6 millones de dólares. [76] Más tarde ese año en Sotheby's en Londres, Peinture (Etoile Bleue) (1927) trajo casi 23,6 millones de libras esterlinas con honorarios, más del doble de lo que se había vendido en una subasta de París en 2007 y un precio récord para el artista en una subasta. [77] [78] El 21 de junio de 2017, la obra Femme et Oiseaux (1940), uno de sus Constelaciones, vendido en Sotheby's London por 24.571.250 GBP. [79]

"Les Fusains": 22, rue Tourlaque, XVIII distrito de París, donde Miró se instaló en 1927.


JOAN MIRÓ

Joan Miró i Ferrà (20 de abril de 1893-25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor y ceramista español nacido en Barcelona. Aunque su obra se asocia habitualmente con el surrealismo, Miró no abandonó por completo el tema de su obra. A pesar de las técnicas automáticas surrealistas que empleó ampliamente, los bocetos de su trabajo de estudio indican que sus pinturas terminadas fueron a menudo el resultado de un proceso metódico. El trabajo de Miró rara vez se sumergió realmente en la no objetividad. Su trabajo está plagado de lenguaje artístico simbólico y esquemático. Compartía una particularidad en común con los surrealistas, sin embargo, Miró expresó su desprecio por los métodos de pintura convencionales como una forma de apoyar a la sociedad burguesa. Se hizo famoso por declarar un "asesinato de la pintura" a favor de alterar los elementos visuales de los estilos clásicos de pintura.

Miro se fue de París a Varengeville-sur-Mer en Normandía en 1939, y fue aquí donde se formó un nuevo e importante cuerpo de trabajo: una serie de veintitrés gouaches, que se conocieron como las Constelaciones. Se encuentran entre las obras más intrincadamente construidas del artista, explorando ideas vinculadas a procesos regenerativos ubicados dentro de la naturaleza. Fuertemente influenciado por la agitación de la Segunda Guerra Mundial, su trabajo parece reflejar la frágil y transitoria calidad de la existencia. Cada pieza de la Constelación representa un momento en el tiempo, un microcosmos de vida: capturado en una animación suspendida y sin peso. En 1945, las Constelaciones fueron sacadas clandestinamente de Europa para una exhibición de Pierre Matisse en Nueva York. Andre Breton se inspiró inmediatamente en la serie y escribió lo que se convertiría en sus últimas obras poéticas. En 1959, bajo la dirección del maestro pochoir Daniel Jacomet, 22 de las 23 constelaciones gouache originales se convirtieron en 350 suites pochoir.

Las Constelaciones inspiraron directamente a los pintores expresionistas abstractos estadounidenses emergentes que, en ese momento, buscaban escapar de las limitaciones del realismo social y el regionalismo. Además, la influencia de Miró en el arte moderno es innegable. Maestros artísticos como Robert Motherwell, Alexander Calder, Arshile Gorky, Jackson Pollock, Roberto Matta y Mark Rothko lo citan como inspirador. Tal vez fue el pintor estadounidense Robert Motherwell quien expresó con más viveza su opinión sobre la importancia de Miró y su obra: “Me gusta todo de Miró: su rostro lúcido, su modestia, su reticencia irónica como persona, su trabajo constante, su sensibilidad mediterránea y otras cualidades que se manifiestan en un cuerpo de trabajo en continuo crecimiento que para mí es el más conmovedor y bello que se está haciendo ahora en Europa. Un delicado equilibrio entre la naturaleza y la obra del hombre, casi perdido en el arte contemporáneo, satura el arte de Miró, de modo que su obra, tan original que casi nadie tiene idea de lo original, nos golpea inmediatamente en lo más profundo ”.


Biografía de Joan Miró

El pintor, Joan Miró, nació en Barcelona en 1893 y murió en Mallorca en 1983. Realizó obras en una variedad de estilos diferentes y utilizando una amplia gama de materiales, pero la mayoría de ellos tenían un sabor surrealista. Así es como se le recuerda mejor, aunque prefirió pensar en sus obras como individualistas y no necesariamente en una categoría en particular.

Mostró una pasión temprana por el arte y asistió a clases de dibujo mientras estaba en la escuela primaria. En 1907 se matriculó en la Escuela de Artes Industriales y Bellas Artes (La Llotja) de Barcelona y estudió allí hasta 1910. En 1912 Miró se recuperaba de un brote de tifoidea y decidió que quería seguir su amor por la pintura y no una carrera en contabilidad que había estado intentando seguir. Pasó 3 años en una escuela de arte dirigida por Francesc Galí, y estudió arte natural en el Cercle Artístic de Sant Lluc. Su primera exposición individual fue en 1918 y sus obras mostraron una serie de influencias. Estos incluían los colores vibrantes del fauvismo, las formas cubistas, el arte catalán y los frescos romanos.

Miró & # 8217s Woman, Bird, Star (Homenaje a Pablo Picasso)

En 1920 visitó París por primera vez y conoció a Picasso. Esta es probablemente una de las principales razones por las que su estilo cambió a partir de este punto y Miró comenzó a enfocarse en pinturas más surrealistas. Decidió trasladarse a París y realizó su primera exposición individual allí en 1921. Dividió su tiempo entre España y Francia y conoció y trabajó junto a muchos de los artistas y poetas surrealistas de la época. Ernest Hemingway estuvo entre los clientes de Miró durante este tiempo. Compró un cuadro que mezclaba el cubismo con el surrealismo, "La granja". En 1926 Miró y su amigo Max Ernst recibieron el encargo de diseñar los decorados y el vestuario del ballet "Romeo y Julieta", realizado en París por los Ballets Rusos.

Por esta época Miró también empezó a interesarse por los collages de objetos. El primero que produjo fue 'Spanish Dancer'. Se alejó de la pintura por un tiempo y se concentró en esculturas. Sin embargo, también experimentó con una amplia variedad de otras formas artísticas, incluida la litografía, el grabado y la pintura sobre cobre. Se casó en 1929 y su hija nació al año siguiente. Miró decidió entonces pasar más tiempo en España hasta que el estallido de la Guerra Civil española lo obligó a trasladar a su familia a París en 1936. Allí permanecieron hasta 1940 cuando regresaron a España. Miró continuó aprendiendo y experimentando con diversos materiales y tipos de arte, pero fue su trabajo de cerámica en lo que se concentró.

Miró & # 8217s La Granja

A fines de la década de 1950, Miró comenzó a producir obras por encargo, en particular murales y grandes esculturas al aire libre para lugares de todo el mundo. En 1972 se encargó un edificio para albergar la Fundació Joan Miró, Centre d & # 8217Estudis d & # 8217Art Contemporani (La Fundación Joan Miró, Centro de Estudios de Arte Contemporáneo). Abrió al público en 1975 y alberga la mayor colección de obras de Miró. Esta es, con mucho, la colección más grande del mundo, no es de extrañar porque el propio Miró donó la gran mayoría de las piezas antes de morir. Incluye 240 pinturas, 175 esculturas, 9 textiles, 4 cerámicas, la obra gráfica casi completa y alrededor de 8.000 dibujos. Otros ejemplos del trabajo de Miró se pueden encontrar en museos y lugares de todo el mundo.


Joan Miró - Biografía y legado

Joan Miró nació en España en 1893 en una familia de artesanos. Su padre Miguel era relojero y orfebre, mientras que su madre era hija de un ebanista. Tal vez en consonancia con el oficio artístico de su familia, Miró mostró un fuerte amor por el dibujo a una edad temprana no particularmente inclinado hacia lo académico, dijo que era "un estudiante muy pobre. Callado, bastante taciturno y soñador".

En 1907, cuando tenía catorce años, Miró comenzó a estudiar paisajismo y artes decorativas en la Escuela de Artes Industriales y Bellas Artes (La Llotja) de Barcelona. Al mismo tiempo, a instancias de sus padres que querían que siguiera una carrera más práctica, asistió a la Escuela de Comercio. Comenzó a trabajar como oficinista, y debido a las constantes exigencias de sus estudios, experimentó lo que se ha caracterizado como un ataque de nervios, seguido de un caso severo de fiebre tifoidea. Su familia compró Montroig, una finca en el campo a las afueras de Barcelona, ​​como un lugar donde Miró podría recuperarse y, a medida que convalecía, se dedicó de lleno a hacer arte y abandonó sus actividades comerciales.

Entrenamiento temprano

En 1912, Miró se matriculó en una academia de arte en Barcelona donde conoció los movimientos del arte moderno y los poetas catalanes contemporáneos. La poesía iba a tener una influencia duradera en él, como dijo más tarde, "no hago distinción entre pintura y poesía", viendo su obra como implícitamente metafórica, evocando semejanza con la realidad objetiva, pero permaneciendo fuera de ella. Como parte de sus estudios, su maestro Francisco Galí hizo que el joven artista dibujara al tacto, a veces con los ojos vendados, para fomentar una comprensión espacial de los objetos confiando en la intuición. Miró también se asoció al Cercle Artístic de Sant Lluc, grupo artístico que incluía entre sus miembros al reconocido arquitecto Antoni Gaudí. Entre 1912 y 1920, Miró pintó naturalezas muertas, retratos, desnudos y paisajes, en un estilo que algunos estudiosos denominan fauvismo catalán. Influenciado por Vincent van Gogh, Paul Cézanne y los colores vivos y brillantes de los pintores franceses fauve, también se basó en sus raíces catalanas y se autodenominó "un catalán internacional".

Período de madurez

La primera exposición individual de Miró en Barcelona en 1918 fue un completo desastre, sus obras ridiculizadas tanto por la crítica como por el público, sin una sola obra vendida. Totalmente decepcionado y buscando un mundo artístico más vigorizante y receptivo, se fue a París en 1920, donde conoció a varios artistas, entre ellos Max Jacob, Pablo Picasso, André Masson y Tristan Tzara. Sin embargo, no fue hasta tres meses y medio después, cuando regresó a la finca de Montroig, que pudo pintar, diciendo: "Inmediatamente me puse a pintar como los niños rompen a llorar". Durante la década siguiente, para mantener el equilibrio entre su inspiración catalana y el mundo del arte parisino, posteriormente comenzó a vivir en París durante parte del año, mientras regresaba a Montroig todos los veranos, como decía, "París y el campo hasta que muera . " Debido a las dificultades económicas, su vida en París fue difícil al principio. Más tarde, al describir esos primeros años delgados, bromeó: "¿Cómo se me ocurrieron mis dibujos y mis ideas para pintar? Bueno, volvía a casa a mi estudio de París en la Rue Blomet por la noche, me iba a la cama y a veces no había cenado ". Sin embargo, parece que la privación física avivó la imaginación del joven Miró. "Vi cosas", explicó, "y las anoté en un cuaderno. Vi formas en el techo".

Tuvo su primera exposición individual en París en 1921 y expuso en el Salon d'Automne en 1922, mientras se asociaba con muchos de los principales artistas dadaístas y surrealistas. Se hizo amigo del escritor y líder surrealista, André Breton, formando una relación que duró muchos años. Los surrealistas fueron más activos en París durante la década de 1920, habiendo unido formalmente fuerzas en 1924 con la publicación de su Manifiesto Surrealista. Sus integrantes, liderados por Breton, promovieron el "automatismo psíquico puro", concepto por el que Miró sintió afinidad desde su propia historia de dibujo inconsciente a través del tacto y la intuición. Participó en la primera exposición surrealista en 1925, aunque, no obstante, como señaló el historiador del arte Stanley Meisler, "se negó rotundamente a firmar ningún manifiesto surrealista, especialmente los que ensalzaban el" automatismo psíquico ". Simplemente se negó a creer que cualquier pintura pudiera surgir en toda regla de un sueño ". Su arte cada vez más biomórfico, enigmático e innovador, como se ve en el Carnaval de Arlequín (1924-25), una obra que dijo que pintó en una "alucinación del hambre", también fue cuidadosamente planeada, primero compuesta sobre un fondo de cuadrícula. Simultáneamente, también exploró tratamientos casi abstractos, ya que simplificó sus formas biomórficas a formas esquemáticas, signos pictóricos y gestos visuales, como se ve en su Cuadro (1927), donde se representan tres formas ambiguas y líneas esquemáticas sobre un fondo azul vacío.

Miró se casó con Pilar Juncosa en 1929, y su única hija Dolores nació en 1931. A medida que su arte comenzó a exhibirse y venderse tanto en Francia como en Estados Unidos, su carrera comenzó a florecer, aunque la estabilidad económica se vio truncada por los efectos. de la depresión global. En 1932, al no poder mantener a su familia en París, se trasladaron a Barcelona. Siguieron años de trastornos, ya que en 1936, mientras visitaba París, quedó atrapado con su familia, incapaz de regresar a España, donde había estallado la guerra civil. En 1939 huyó a Normandía ante la amenaza de la invasión alemana y en 1941 a Mallorca, donde dijo: "Yo era muy pesimista. Sentía que todo estaba perdido". Se dedicó a pintar pequeñas obras en papel, que tituló Constelaciones (1939-41), de la cual dijo: "Cuando estaba pintando el Constelaciones Tenía la auténtica sensación de que estaba trabajando en secreto. Pero fue una liberación para mí. Dejé de pensar en toda la tragedia que me rodea ".

Irónicamente, mientras se escondía en Mallorca, usando el apellido de su esposa para escapar de la atención del gobierno de Franco, Miró recibió su primera retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York con gran éxito. Cuando, inmediatamente después del final de la guerra, Constelaciones También se mostró en Nueva York, su renombre continuó creciendo en Estados Unidos, lo que provocó una comisión mural a gran escala en Cincinnati en 1947. Las formas simplificadas de Miró y su impulso de toda la vida hacia la experimentación inspiraron a la generación de expresionistas abstractos estadounidenses cuyo énfasis en la no El arte representativo marcó un cambio importante en la producción artística tanto en los Estados Unidos como en Europa. Sin embargo, a pesar de la aclamación por sus pinturas, continuó explorando nuevos medios, recurriendo a la cerámica, cuando colaboró ​​con Joseph Llorens Artigas, y a la escultura a mediados de la década de 1940.

En la década de 1950, Miró volvió a dividir su tiempo entre España y Francia. Una gran exposición de sus obras se llevó a cabo en la Gallerie Maeght de París y posteriormente en la Galería Pierre Matisse de Nueva York en 1953. Sin embargo, de 1954 a 1958 trabajó casi exclusivamente en grabado y cerámica, incluidos dos murales de cerámica para la UNESCO. edificio en París. En 1959, junto a Salvador Dalí, Enrique Tabara y Eugenio Granell participó en Homenaje al surrealismo, una exposición en España organizada por André Breton. La década de 1960 fue una época prolífica y aventurera para Miró, ya que pintó el gran tríptico abstracto Bleu (1961) y trabajó intensamente en escultura, en algunos casos revisando y reinterpretando algunas de sus obras más antiguas. Si bien nunca alteró la esencia de su estilo, su obra posterior es reconocida como más madura, destilada y refinada en términos de forma.

Período tardío y muerte

A medida que Miró envejecía, siguió recibiendo numerosos galardones y encargos públicos. Continuó avanzando en nuevas direcciones, diciendo: "Son los jóvenes los que me interesan, y no los viejos dodos. Si sigo trabajando, es para el año 2000 y para la gente del mañana". En 1974, recibió el encargo de crear un tapiz para el World Trade Center de Nueva York, demostrando sus logros como artista de renombre internacional, así como su lugar en la cultura popular. Recibió el título de honoris causa por la Universidad de Barcelona en 1979. Miró murió en su casa en 1983, un año después de finalizar Mujer y pájaro, una gran escultura pública para la ciudad de Barcelona. La obra fue, en cierto sentido, la culminación de una carrera prolífica, tan profundamente integral al desarrollo del arte moderno.

El legado de Joan Miró

Miró dijo una vez: "Quiero asesinar a la pintura". Junto con otros artistas dadaístas y surrealistas como Jean Arp e Yves Tanguy, exploró la posibilidad de crear un vocabulario visual completamente nuevo para el arte que podría existir fuera del mundo objetivo, sin divorciarse de él. Su lenguaje artístico único usó a menudo formas biomórficas que se mantuvieron dentro de los límites de la objetividad, al mismo tiempo que eran formas de pura invención. Expresivos e imbuidos de significado a través de su yuxtaposición con otras formas y el uso del color por parte del artista, se convirtieron en signos pictóricos cada vez más abstractos. Sus exploraciones de todos los medios y técnicas innovadoras le dieron a su trabajo una ventaja: simultáneamente, nuevo, pero instantáneamente reconocible como Miró.

Lo que el crítico de arte Ryan Steadman llamó la "forma personal de abstracción" de Miró fue una influencia decisiva en su amigo cercano desde hace mucho tiempo Alexander Calder y en los expresionistas abstractos Jackson Pollock, Robert Motherwell, Arshile Gorky y William Baziotes, así como en los pintores de Color Field Mark Rothko y Barnett Newman. Helen Frankenthaler también atribuyó la influencia de Miró en el desarrollo de su estilo de abstracción pospintorial. Más recientemente, su trabajo ha influido en los diseñadores Paul Rand, Lucienne Day y Julian Hatton, así como en los artistas contemporáneos Josh Smith y Chris Martin.

Hasta el día de hoy, la expresión artística despreocupada de Miró sigue siendo una chispa generadora de artistas y movimientos artísticos en evolución.


Éxito crítico

Fiel al carácter que desarrolló durante su largo mandato como campeona atleta, Mitchell exhibió una dureza que su padre habría menospreciado como poco femenina, pero que pudo haber sido esencial para el medio en el que operaba. Mitchell bebía, fumaba, maldecía y se juntaba en bares, y aunque no era propia de una dama de la alta sociedad en Chicago, esta actitud le sirvió bien a Mitchell: era una de las pocas mujeres miembros del Eighth Street Club, una agrupación icónica de artistas del centro en la década de 1950 en Nueva York.

El primer indicio de éxito de la crítica se produjo en 1957, cuando Mitchell apareció en ArtNews ". Pinta una imagen ”columna. “Mitchell Paints a Picture”, escrito por el destacado crítico Irving Sandler, describió al artista para la revista principal.

En 1961, Russell Mitchell Gallery organizó la primera gran exposición de la obra de Mitchell, y en 1972 fue reconocida con su primera gran exposición en un museo, en el Everson Museum of Art de Syracuse, Nueva York. Poco después, en 1974, le ofrecieron una exposición en el Museo Whitney de Nueva York, consolidando así su legado.

La última década de la vida de Mitchell fue testigo de un éxito crítico continuo. Fumador de toda la vida, Joan Mitchell murió de cáncer de pulmón en París a la edad de 67 años en 1992.


Arte importante de Joan Miró

La granja (1920-21)

Un plano de imagen dramáticamente inclinado presenta una vista de la masia o "granja familiar", atestada de animales, implementos agrícolas, plantas y evidencia de actividad humana. Miró explicó, "La granja fue un currículum de toda mi vida en el país. Quería poner todo lo que amaba del país en ese lienzo, desde un árbol enorme hasta un caracol diminuto ". La intensidad de la visión y la atención casi maníaca a los detalles le dan a la obra la calidad de una memoria eidética, reconfigurada en un sueño, y prefigura su obra surrealista posterior.

Como escribió la crítica de arte Laura Cummings, "a cada entidad se le da su propio espacio autónomo en la imagen, elogiado por separado pero conectado por formas que riman", debido al "espacio cuasi-cubista, inclinado hacia arriba y presumiblemente porque Miró está celebrando el próspero crecimiento ascendente de casa."

La obra ilustra importantes innovaciones que caracterizan al artista, ya que incluye varios elementos abstractos, como el círculo negro donde se eleva el eucalipto en el centro, símbolos como las dos escaleras, una con una cabra encima y otra con un gallo. Además, como señala Cummings, en "su nueva forma de pintar, los objetos tienen una doble vida como letras: la E de una caja, la A de una escalera, la O de rueda, cubo y sol" y todo está simultáneamente dentro de la escena. y escrito en su superficie. La granja es a la vez cuadro y poema ".

El artista consideró esta obra entre las más importantes, marcando un punto de inflexión. Si bien refleja una serie de influencias, incluido el arte popular catalán, un sentido de jerarquía románico donde la escala refleja la importancia y un vocabulario cubista, la obra se resistió a instalarse en un estilo, ejemplificando el enfoque inquieto e iconoclasta del artista.

Después de completar el trabajo, Miró luchó por encontrar un comprador en un mercado de arte moderno parisino que prefería el cubismo. Un comerciante sugirió cortarlo en varias pinturas más pequeñas para facilitar la venta. Afortunadamente, el artista se había hecho amigo del escritor Ernest Hemingway, entonces un desconocido en apuros y, después de horas de trabajo, los dos se reunían para sesiones de boxeo para relajarse. Hemingway estaba decidido a comprar La granja y, después de pedir dinero prestado y trabajar como empleado de una tienda de comestibles, pudo comprarlo y conservarlo durante toda su vida. Como escribió, "no lo cambiaría por ninguna imagen del mundo. Tiene todo lo que sientes por España cuando estás allí y todo lo que sientes cuando estás fuera y no puedes ir allí".

Carnaval de Arlequín (1924-25)

Esta pintura representa una escena festiva y concurrida donde biomorfos quijotescos parecen estar atrapados en una animada celebración. Cada forma evoca semejanzas y las rechaza, como en el centro a la izquierda, el arlequín, identificado por los cuadros en blanco y negro del traje del italiano. commedia dell'arteLa figura original, tiene un cuerpo con forma de guitarra distorsionada. El gato, en la parte inferior derecha, se pone de pie sobre sus patas traseras, como si bailara, sus "brazos" extendidos hacia la escena, mientras su cara roja y amarilla se vuelve para mirar al espectador. Un pez amarillo y negro yace sobre la mesa, una oreja y un ojo salen de la escalera de la izquierda, aparecen notas musicales en la pared, tubos en forma de serpiente en blanco y negro se cruzan en el centro, y muchas de las formas están conectadas por delgadas líneas de desplazamiento, mientras la criatura negra y amarilla que baila en la parte inferior central agarra un hilo que se extiende hasta los bigotes del gato. El espectador está atrapado en este mundo imaginado, intrigado por la disonancia entre identificación y significado.

Un ejemplo temprano del giro del artista hacia el surrealismo, este trabajo también fue pionero en su uso de formas biomórficas, ya que la mayoría de los objetos evocan organismos vivos. Explicó parte del significado simbólico de la pintura, diciendo que el triángulo negro simbolizaba la Torre Eiffel y que la escalera representaba tanto la elevación como la evasión. Sin embargo, las formas de fusión y fusión anulan las certezas del mundo consciente, incluidas las del arte, como dijo el artista, "sólo me interesa el arte anónimo, el que brota del inconsciente colectivo". Miró nunca quiso instalarse en un estilo artístico en particular y se esforzó por revertir las jerarquías estéticas. En esta obra creó su propio lenguaje pictórico. Como escribió la crítica de arte Laura Cummings: "Cuando Miró murió en 1983, a la edad de 90 años, durante mucho tiempo había sido apreciado como la última de las estrellas modernistas. Su lenguaje pictórico era singular, reconocible al instante y, con razón, ya no se lo percibe como algún dialecto catalán del surrealismo ".

Perro ladrando a la luna (1926)

En un paisaje sobrio que es a la vez surrealista y graciosamente caricaturesco, dividido entre una rica tierra de chocolate y un cielo nocturno negro, un perro caprichosamente distorsionado, representado en colores brillantes, ladra a la luna sobre él. A la izquierda, una escalera, representada en blanco y amarillo con peldaños rojos, se extiende hacia el cielo. Las distorsiones de la luna y el perro, junto con la improbabilidad de la escalera, crean una sensación de juego donde todo es y no es lo que parece, mientras que el blanco, el rojo y el amarillo, utilizados para las cuatro formas, crea una misteriosa sensación de conexión entre ellos.

Como escribió la crítica de arte Laura Cummings: "En el suelo, una criatura multicolor con algo como patas y mandíbulas ladra a la luna con toda la energía implícita en su forma de resorte. La luna no es del todo inmune a esta exhibición absurda: tiene un corazón pintado. Pero también lleva una nariz roja satírica ". Sin embargo, el vasto espacio, lleno por el fondo oscuro, también evoca una sensación de profunda soledad y misterio, como escribió la crítica de arte Judith Flanders: "En su mejor momento, en obras como Perro ladrando a la luna, creó un mundo misteriosamente flotante y no anclado donde su léxico estándar de símbolos, aquí la escalera, que simboliza no solo la individualidad y el escape, sino también la futilidad y una salida al vacío de la muerte, se vuelve potente ".

En el período anterior a esta obra, el artista había comenzado a incluir a veces palabras en sus pinturas, creando lo que llamó "poemas de pintura". El boceto original incluía la respuesta de la luna al perro en catalán: "Sabes, me importa un carajo". Aunque Miró dejó el texto fuera de la pintura, queda una sensación de comunicación implícita, creada por la insistencia del perro, su cuerpo elevándose con su voz no escuchada, y por la luna, visualmente, que parece alejarse en el rechazo. Como señaló Cummings, la obra famosa "como obra de surrealismo. Ha sido igualmente interpretada como un manifiesto personal. Aquí está el joven artista como un cachorro, tratando de encontrar su voz en la vanguardia internacional. La hermosa escalera debe ser su arte, por el cual ascenderá ".


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